Функции музыкального материала

Продолжаем рассматривать форму и ее элементы.  На первом этапе изучения музыкальной формы очень важно изучить общие характеристики музыкального материала, а затем уже рассматривать воплощение изученных принципов в конкретных формах, жанрах и стилях. По этой причине я пишу уже третью статью, посвященную музыкальному материалу.

Музыкальный материал играет разную роль в процессе формообразования и по-разному настраивает восприятие слушателя. Можно сказать, что музыкальный материал выполняет различные психологические функции.

Если проанализировать основные функции музыкального материала, то можно выделить следующие 3:

Здесь можно оставить свои комментарии. Выпуск подготовленплагином wordpress для subscribe.ru

Новогодняя распродажа

Поздравляю Вас коллега с новым годом!

В первую очередь желаю творческих успехов, исполнения планов,желаний,как музыкальных,так и всех остальных.

Сейчас сезон распродаж и я также решил сделать подарок для читателей и подписчиков сайта.
Предлагаю Вам уникальную возможность купить все существующие на данный момент услуги со скидкой до 60%.
Это единственный раз в году, когда Вы можете почти за бесплатно получить интересующие Вас материалы.
Все подробности Вы можете узнать на специальной странице с новогодним поздравлением.

Здесь можно оставить свои комментарии. Выпуск подготовленплагином wordpress для subscribe.ru

Типы развития музыкального материала(часть 2)

 

Продолжаем изучать основные понятия касающиеся, музыкальной формы. В прошлой статье я обозначил три основных типа развития музыкального тематизма. Сегодня рассмотрим каждый из этих типов развития более детально.

Для начала я напомню, что можно выделить 3 основных типа развития музыкального тематизма:

1.Экспозиционное

2. Продолженное

3. Разработочное

Экспозиционное развитие также часто называет просто изложением. Здесь возникает небольшое недоразумение, которого следует коснуться.

Обычно изложение материала и его развитие рассматривают, как противоположные понятия. Однако любое изложение музыкального материала обязательно содержит также и развитие – поэтому разделение данных понятий достаточно условное и с опытом Вы легко сможете различать изложение материала от других видов его развития.

Здесь можно оставить свои комментарии. Выпуск подготовленплагином wordpress для subscribe.ru

Типы развития музыкального материала

В прошлой статье я рассмотрел основные типы музыкального материала.Фоновый и рельефный музыкальный материал представляют собой универсальные типы изложения,используемые в музыке самых разных стилей и жанров,начиная от классики и заканчивая ультрамодными направлениями.Это две базовые категории,которые можно применить практически к любой музыкальной теме.Умение создавать фоновый и рельефный материал и осознанно его применять - первая ступень для освоения музыкальной формы.

Сегодня продолжая тему формообразования мы продолжим углублять знания о музыкальной форме и музыкальном материале и  поговорим о типах развития музыкального материала.

Это,пожалуй,самая актуальная проблема для авторов любой музыки. Очень часто мы сталкиваемся с проблемой - есть музыкальная идея,тема  - но отсутствует понимание того,что с ней делать дальше и как превратить ее в полноценную музыкальную форму.

До того,как я познакомился с базовыми приемам композиционной работы мой подход к сочинению музыки был примерно следующим:

1.сочиняю какую-нибудь тему,рифф и т.д. - затем

2.добавляю к нему следующую тему или рифф и заполняю форму по принципу конструктора.То есть могу добавить что-то перед основной частью или после.

Очень часто склеивались темы сочиненные в разных тональностях и разное время.В результате каждая часть представляла собой отдельную музыкальную мысль(тему), что очень часто приводило к избытку тематизма.Это было связанно с тем,что я элементарно не использовал интонационность основной темы для создания других разделов формы. Главная моя ошибка была в том,что я хотел каждую музыкальную часть максимально наполнить тематизмом.

В принципе насколько мне известно многие  довольно известные музыканты используют принцип конструктора.Например,несомненно,то что ранние песни Metallica были сочинены методом конструктора,так, при внимательном прослушивании, можно услышать риффы сочиненные разными музыкантами.И если для небольших построений  (например,песен) этот метод может сработать,то при написании крупной формы Вы несомненно зайдете в тупик.Большой минус данного способа в том,что очень редко удается создать цельную форму,которая будет не перегружена абстрактн� �ми построениями. Другая сторона слишком затянутые построения и отсутствие развития.

Анализируя свой опыт,могу сказать - первое,что помогло мне начать осознанно работать над произведением было изучение типов музыкального развития.Эти знания помогли мне избавиться от обилия тематизма и я стал лучше видеть конечный результат до того,как начинал его сочинять.

Типы развития музыкального материала очень сильно различаются в зависимости от их расположения в форме.Чтобы понять о чем я говорю достаточно просто проанализировать,как один и тот же материал развивается в разных частях произведения. Изложение темы в начале произведения и в средней части будет разным,хотя может использоваться один тип развития. Одна и та же последовательность аккордов воспринимается по разному в куплете и бридже.Поэтому классификация типов музыкального развития является выводом из анализа огромного числа самы х разных произведений и требует индивидуального подхода в каждом конкретном случае.Тем не менее, эта классификация настолько полная,что может быть использована непосредственно в практических целях

В целом различают три типа развития музыкального материала

1. Экспозиционное
2. Продолженное
3. Разработочное

Каждый из этих типов музыкального развития использует различный мелодические,гармонические и ритмические выразительные средства. В следующей части я детально рассмотрю все три типа развития музыкального материала,поэтому не забывайте подписаться на обновления и следите за новостями сайта.

Если Вам понравилась статья,то можете рассказать о не

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

_{»crosslinked«}

Здесь можно оставить свои комментарии. Выпуск подготовленплагином wordpress для subscribe.ru

Типы музыкального материала

Важнейшим элементом любого музыкального произведения является музыкальная форма. Как правило,большинство проблем начинающих композиторов,импровизаторов и исполнителей связанно с вопросами формообразования.Это ощущается,как на уровне мелодики(фраз,мотивов и т.д.), так и на уровне более крупных построений. Особенно это отчетливо заметно в произведениях имеющих сложные формы.

Однако работа над любой формой начинается с работы над музыкальным материалом.Большинство проблем связанных с формой можно охарактеризовать,как недостаток или избыток,какого-либо типа музыкального материала.Например,мелодия может быть перенасыщена интонациями в результате чего теряется образность и ясность мысли.То же случается и при отсутствии внятных музыкальных идей.
Под музыкальным материалом подразумевается совокупность музыкальных средств,которые воплощаются в виде музыкально оформленной мысли.Это может быть,как мелодическая линия,так и элемент фактуры.( Яркий пример индивидуальной фактуры - это вступление к песне Show Must Go On - где простейшие аккорды излагаются с задержаниями).

Здесь можно оставить свои комментарии. Выпуск подготовленплагином wordpress для subscribe.ru

Типы клаве(clave)

Продолжаем изучать клаве и его разновидности.В этой статье детально рассмотрим основные варианты паттернов клаве.
Наиболее распространенными клаве шаблоном является son clave, названный в честь кубинского музыкального жанра с одноименным названием. Clave этого типа является двусоставным,то есть может быть разделен на два рисунка,которые контрастируют друг с другом.Если записать son clave в размере две четверти,то каждая часть ритма будет занимать ровно один такт:

Здесь можно оставить свои комментарии. Выпуск подготовленплагином wordpress для subscribe.ru

9 ошибок оркестровщика и аранжировщика

Привет!

Сегодня я хочу поговорить о наиболее распространенных ошибках,которые делают начинающие композиторы при написании музыки\партитур для симфонического оркестра. Однако ошибки на которые я хочу обратит Ваше внимание также довольно часто встречаются не только в симфонической музыке,но и в аранжировках музыки в стиле рок,поп и т.п

В целом ошибки с которыми сталкивается композитор можно разделить на две группы.
Первая - это недостаток знаний и опыта. Это легко исправляемая составляющая.
Вторая - это недостаток жизненного опыта,впечатлений и в целом неустоявшееся мировоззрение.Это сложно объяснить,но эта часть порой важнее,чем получение знаний. О ней я скажу ниже.
Итак, рассмотрим 9 ошибок на которые стоит обратить внимание

1. Безсознательное заимствование
Об этом я уже упоминал в одном из своих подкастов.Неосознанный плагиат или безсознательное заимствование - грабли на которые наступают практически все. Один из способов борьбы с этим - слушать,как можно больше самой разной музыки.Как правило,если Вы слушаете одного композитора или исполнителя,то он очень сильно влияет на Вас и элементы его музыки проникают в Вашу.Однако если вы слушаете 100-200 и более разных композиторов\групп и т.д,то Вы уже не будете копировать,а будете создавать свой уникальный стиль.Заимствования должны помочь Вам,а � �е превратить Вас во второго Шостаковича.
2.Отсутствие баланса
Написание сбалансированной партитуры довольно сложный процесс - при изучении инструментовки отдельное внимание уделяется звучности каждой группы оркестра в сопоставлении с другими. Каждое многослойное созвучие требует знания динамики отдельных инструментов.Глупо писать аккорд для трех труб и одной флейты так как а флейты не будет слышно даже в средней динамике трех труб.Таких моментов очень много.Например флейта пикколо может пробивать целый оркестр. Многие тонкости приходят с опытом,но большую роль играют знания.Также важную роль играет выбор фактуры - сцепление,наслоение,наложение и обрамление при наличии одних и тех же инструментов требуют разной динамики. Это касается не только оркестра.При насыщенности рок и поп аранжировки также важно учитывать этот момент,а не полагаться на сведение.Как правило хорошая аранжировка не требует вмешательства со стороны микшера(имеется в виде человек занимающийся сведением).
3. Неинтересные текстуры
Использование однообразных текстур на протяжении большого отрезка времени очень утомляет слушателя.Изучая партитуры мастеров Вы увидите,что изменения в оркестре могут происходить каждый такт,что постоянно вносит новые краски.Очень редко мелодия играется одним инструментов.Постоянно вводятся дублировки,смена тембров и т.д. Лучший способ избежать однообразия - это изучать чужие партитуры и детально анализировать используемые приемы.
4.Лишние усилия
Это использование необычных приемов игры,таких которые требуют от исполнителей чрезмерной концентрации.Как правило с помощью простых приемов можно создать более благозвучную партитуру. Применение редких приемов должно быть обоснованно и может быть принято только в том случае если нужный эмоциональный эффект нельзя получить другим способом.Конечно Стравинский использует ресурсы оркестра на пределе возможностей,но это стоило ему нервов.В общем чем проще тем лучше. Если же надумаете сочинять авангард сначала найдите оркестр котор ый готов это сыграть
5. Отсутствие эмоций и интеллектуальная глубина
Баланс о котором я постоянно твержу. Вы должны жить интересной жизнью для того,чтобы в Вашей музыке были эмоции.Практически все композиторы путешествовали и вели интенсивную общественную жизнь. Сложно черпать идеи если Вы закрыты в 4х стенах. Также важна интеллектуальная составляющая - Ваша музыка должна отражать Ваше мировоззрение.Изучение философии,эзотерики,смежных искусств - это не прихоть, а необходимое условие для Вашего творческого развития. Чтобы писать великую музыку нужно прежде всего быть великим человеком внутри.То есть парадоксально,но чтобы писать музыку недостаточно обучаться только этому.Нужно еще и уметь общаться с людьми,природой и т.д Ну в общем Вы меня поняли
6. Истерия и интеллектуальная перегруженность
Избыток чувств или холодной интеллектуальности приводить к музыкальному фиаско. Музыка должна быть эмоцией контролируемой разумом,в противном случае Вы рискуете потерять саму суть музыкального искусства.
7.Шаблонная работа
Использование устоявшихся штампов,клише и т.п убивает саму суть творчества.Чем тогда вы лучше автоаранжировщика?Вы должны работать над уникальностью каждой Вашей работы. Будь то партитура или аранжировка поп-песни в ней должно ощущаться Ваше я. Это развивается постоянным поиском новых приемов,скрещиванием стилей и стремлением избежать повторений. Конечно иногда хорошо использовать шаблоны,так как они хорошо звучат. Но в результате Вы теряете самое ценное - себя.
8. Незнание инструментов
Очень часто неправильно используются диапазоны инструментов,плохое знание техник приводит к тому,что оркестранты не могут исполнить Ваши партии.И что самое интересно удачно написанная партия хорошо звучит даже на vst,а партии написанные без учета особенностей инструмента даже в живом исполнении будут звучать не очень убедительно.Приведу простой пример.Поскольку я гитарист,то мне для того,чтобы определить играемость партии достаточно просто посмотреть в ноты,чтобы понять на сколько партия гитарна. То есть большинство партий физиче ски играемы,но они либо настолько неудобны,что просто нет смысла их учить,либо написаны так,что даже будучи сыграны на гитаре они будут звучать,как другой инструмент. Чтобы этого избежать нужно изучать сольные произведения для инструментов для которых Вы пишите.А желательно научиться базовым приемам игры. Например я умею играть на всех инструментах рок-группы + труба,флейта,контрабас и некоторые ударные. Это не значит,что я могу взять и сыграть хотя бы внятную мелодию,но если будет нужно то смогу разучить и хоть как-то коряво сыграть а лучше всего найти солиста и показывать ему Ваши наработки,так Вы очень быстро научитесь писать играемые удобные партии.Кроме того,важно,чтобы Ваши партии легко игрались с листа или быстро снимались( если Вы пишите для сессионых музыкантов).
9. Искусственно звучащие партитуры
Поскольку большинство авторов работает с vst очень важно чтобы Ваши партитуры звучали реалистично практически без исправлений.Как я уже писал выше хорошо написанные партии звучат хорошо даже в обычном midi. Это касается и рок состава и полного симфонического оркестра.Важно сделать так,чтобы слушатель не думал: оркестр звучит механично или барабаны синтезаторные. Конечно при внимательном прослушивании всегда можно отличить живое исполнение от программного,но не музыкант и 90% музыкантов не смогут этого сделать, при условии,что Вы выпол� �или Вашу работу на отлично. Даже используя самый плохой оркестровый плагин типа edirol я убеждал профессиональных музыкантов в реалистичности его звучания. Так что многое зависит от Ваших рук и ушей.

Удачи и избегайте ошибок.

 

 

Здесь можно оставить свои комментарии. Выпуск подготовленплагином wordpress для subscribe.ru

Клаве(сlave)

В своих статьях и видеоуроках я очень часто говорю о клаве.Это понятие,которое практически не известно русским музыкантам и информации очень мало.Поэтому я решил описать это понятие и показать базовые принципы использования клаве.

В первой части статьи я расскажу о теоретических аспектах этого понятия,а во второй части рассмотрим практическую часть и примеры клаве.

 

 

Клаве - ритмический паттерн,который является организующим моментом ритма в Афро-Кубинской музыке,такой как румба,сальса,латинский джаз,мамбо,тимба,сонго и другие.Пятиударный клаве паттерн является основой многих афрокубинских ритмов. Корни клаве следует искать в традиционных Африканских обрядах,сопровождаемых игрой на ударных инструментах.Такие ритмы,как правило построены на устойчивых ритмических оборотах,которые оказали влияние на Кубинскую и Латиноамериканскую музыку.В более примитивном виде в популярной музыке клаве паттерны используются для создания ритмических мотивов-остинато, либо для ритмических украшений.

Здесь можно оставить свои комментарии. Выпуск подготовленплагином wordpress для subscribe.ru

Гармонический анализ песни

Сегодня небольшой урок в котором я рассказываю о работе над гармонией песни.

Здесь можно оставить свои комментарии. Выпуск подготовленплагином wordpress для subscribe.ru

Программирование барабанов

Если Вы занимаетесь созданием или аранжировкой музыки на компьютере,то с большой вероятность можно предположить,что определённую часть времени Вы тратите на создание партии ударных инструментов.
Современная музыка по большей части построена на работе ритм-секции - основой которой являются барабаны - живые либо электронные.Если Вы используете для создания партии барабанов готовые лупы,то все понятно.Однако если Вы создаете партии живых ударных(симуляция),либо программируете электронные партии основанные на игре живого ударника(например,такие как в стиле D'n'B), то для профессионального звучания Вам необходимо научиться мыслить как ударник и аранжировщик одновременно. В этой статье я расскажу о наи более распространенных ошибках,которые сразу же бросаются в глаза при прослушивании партии,как в миксе,так и отдельной дорожкой.

Здесь можно оставить свои комментарии. Выпуск подготовленплагином wordpress для subscribe.ru